Después de un largo tiempo, Liquid Tension Experiment ha confirmado su regreso.
El célebre proyecto, integrado por los experimentados Mike Portnoy (The Winery Dogs, Dream Theater, y un largo etcétera), John Petrucci (Dream Theater), Tony Levin (King Crimson) y Jordan Rudess (Dream Theater) compartió una fotografía en redes sociales, dando a entender el retorno, luego de una espera muy larga, pues desde el 2008 que no han pisado un escenario como banda, mientras que su último trabajo salió hace más de dos décadas ("Liquid Tension Experiment 2").
El motivo de esta reencuentro es para hacer un nuevo álbum de estudio, aunque no hay fechas. A principios de año, el tecladista daba pistas de que la reunión estaba en camino.
"Estamos mirando nuestros horarios, estamos organizando el tiempo. Con la pandemia, ha sido un poco difícil coordinar reuniones de tipo personal, pero se ve muy bien", dijo en aquel momento.
Solo queda esperar, pero tendremos música inédita del conjunto.
Ya está disponible un primer adelanto de "Get Back", el esperado documental sobre The Beatles que está preparando Peter Jackson.
Fue el mismo realizador -conocido por estar al frente de la saga "El señor de los Anillos"- quien dio a conocer, a través de un video, parte del film, una reconstrucción de "Let It Be", la película de Michael Lindsay-Hogg que mostraba al cuarteto inglés en uno de sus peores momentos internos, con roces y muchos conflictos, que llevarían a su separación.
"Esta película debía estar terminada ahora, pero como el resto del mundo, se ha visto afectada por la pandemia de Covid. Lo único bueno es que estamos editando la película en Nueva Zelanda y ahora que nuestro país ha eliminado en gran medida el virus, hemos podido regresar a la sala de montaje y continuar con la edición que estamos haciendo", comenta Jackson en el video, que dura más de cinco minutos, musicalizado por la canción 'Get Back', incluyendo varias imágenes de momentos relajados y distendidos de The Beatles en aquellas sesiones, algo defendido por McCartney en más de una ocasión.
El estreno del documental está fijado para el 27 de agosto del 2021 y se preparó sobre más de 56 horas de material totalmente inédito para los fans.
Ringo Starr estrenó un tema rodeado de talentosos amigos.
Se trata de Here's To The Nights, primer single de Zoom In, su nuevo EP.
Paul McCartney, Joe Walsh y Steve Lukather son algunos de los artistas que se sumaron para esta canción.
Here’s To The Nights también cuenta con la participación de Dave Grohl, Sheryl Crow, Lenny Kravitz, Chris Stapleton, Ben Harper, Jenny Lewis, Yola, Corinne Bailey Rae y Eric Burton de Black Pumas.
Ringo declaró en un comunicado de prensa:
“Cuando Diane [Warren, quien escribió el tema] me mostró la canción, me encantó. Es el tipo de canción con la que todos queremos ponernos a cantar y fue genial que tantos músicos tan talentosos se sumen. Quería presentarla a tiempo para Año Nuevo porque me parece una buena canción para terminar un año tan duro. ¡Por las noches que no recordaremos y los amigos que no olvidaremos! Les deseo a todos mucha paz y amor para el 2021”.
Zoom In saldrá el 19 de marzo de 2021 e incluirá cinco canciones grabadas entre abril y octubre.
El año pasado, Starr presentó el álbum What's My Name, que incluyó un cover del tema de John Lennon, "Grow Old With Me", acompañado por Paul McCartney en el bajo.
Ricardo Mollo estrenó Tu Mirada, nuevo single en formato solista.
Tu Mirada llega dos meses después de Sanar, otro tema en solitario de Mollo. Al igual que el anterior, este corte cuenta con la letra de Pedro Irigaray y las ilustraciones de Gervasio Troche en el lyric video.
Mollo viene sacando estos cortes como solista en paralelo a su trabajo con Divididos, que dará un show por streaming el próximo 19 de diciembre.
La Renga presentó El Que Me Lleva, adelanto de su nuevo disco.
El tema fue grabado y mezclado por Matias Gonzalez y el videoclip fue dirigido por Diego Stokelj, Sebastián Arcidiácono y Gustavo Cataldi.
Este no es el primer adelanto del nuevo álbum: la banda ya compartió Llegó La Hora, Parece Un Caso Perdido, Para Que Yo Pueda Ver, Flecha En La Clave y En Bicicleta.
Este disco será el primero de estudio desde 2014 de La Renga, que además hará un show vía streaming desde su propia sala el próximo 28 de noviembre.
La voz de Pearl Jam, Eddie Vedder, presento dos nuevos singles en solitario. Con el título "Matter of time" y "Say hi", las canciones se estrenaron inicialmente durante un evento de transmisión en vivo en beneficio de la Asociación de investigación de EB que manejan Eddie y Jill Vedder, esposa del músico.
“Matter of time” se combina con un video musical animado dirigido por Matt Finlin y Jeff Lermire, mientras que “Say hi” se acompaña de un video de una actuación en vivo. La última pista es especialmente digna de mención, ya que fue escrita para Eli Meyer, un niño de seis años cuya aflicción con la epidermólisis ampollosa de la unión inspiró a los Vedder a lanzar su organización caritativa con la esperanza de encontrar una cura para la enfermedad. Ambas canciones también están disponibles en plataformas de transmisión digital y se lanzarán en vinilo de edición limitada de 7 pulgadas.
El streaming on line de Venture Into Cures del miércoles por la noche también contó con la participación de Billie Eilish, David Letterman, Bradley Cooper, Jimmy Kimmel, Adam Sandler, Willie Nelson y Judd Apatow, entre otros.
Recordemos que a principios de este mes, Vedder se sentó para una larga entrevista en el Howard Stern Show y habló abiertamente sobre la muerte de Chris Cornell y el dolor que todavía siente hasta el día de hoy.
Después de un año que se fue complicando de a poco para la industria de la música y el mundo del espectáculo, Foo Fighters ha compartido un nuevo documental titulado ‘Times like those’, donde repasan toda su trayectoria y aprovechan para celebrar en pandemia sus veinticinco años con el rock.
El documental -que dura solo treinta minutos- fue estrenado a través de YouTube y muestra a los miembros de la banda comiendo palomitas de maiz en una especie de función privada y hablando sobre su intensa carrera.
Durante el video, Grohl y compañía recuerdan momentos graciosos (y otro no tanto) que van desde su primer show oficial en Seattle hasta el día en que se toparon con una banda islandesa de punk en un sótano en 2003, pidiéndoles que abrieran su próximo show en aquél país.
En un momento del recorrido histórico, Dave Grohl, luego de ver una fotografía suya tocando una guitarra en un jet privado, recuerda entre risas: “Estaba escribiendo ‘My Hero’ sobre mí mismo”. Recordemos que Foo Fighters tenía planeado un tour mundial marcando el 25 aniversario de su álbum debut lanzado en 1995, sin embargo los planes tuvieron que aplazarse debido a la pandemia por el coronavirus.
La banda decidió terminar su décimo álbum de estudio, Medicine at midnight, el cual será lanzado el próximo 5 de febrero de 2021, después de haber compartido su primer single "Shame shame".
Tras años de rumores, finalmente AC/DC confirmó un nuevo álbum para este 13 de noviembre, titulado "Power Up", el cual marcará el regreso del vocalista Brian Johnson y el baterista Phil Rudd. El primer adelanto de este trabajo es 'Shot in the Dark', que ya está disponible en todos los servicios de streaming.
Recordemos que Johnson debió salir de la banda en medio de la gira de "Rock or Bust" en 2016, siendo reemplazado por Axl Rose. Por su parte, Rudd tampoco fue parte de aquel tour debido a problemas legales. En una compelta entrevista a Rolling Stone, Angus Young afirma que el sucesor de "Rock or Bust" se hizo con material compuesto por Angus y su hermano Malcolm -quien falleció en 2017- durante la época de "Black Ice".
"Power Up" verá la luz el próximo 13 de noviembre y fue producido por Brendan O'Brien (Pearl Jam, Bruce Springsteen, Stone Temple Pilots, Mastodon, The Killers, Chris Cornell).
Consta de 12 canciones y ya puedes encargar tu copia. Te dejamos con la portada y tracklist, además del streaming de 'Shot in the Dark'.
el listado de temas del disco es:
01. 'Realize' 02. 'Rejection' 03. 'Shot in the Dark' 04. 'Through the Mists of Time' 05. 'Kick You When You're Down' 06. 'Witch's Spell' 07. 'Demon Fire' 08. 'Wild Reputation' 09. 'No Man's Land' 10. 'Systems Down' 11. 'Money Shot' 12. 'Code Red'
En paralelo a la actividad de Divididos, Mollo sorprendió al compartir a través de su recién estrenado Instagram (@ricardomolloposta) un tema en formato solitario, titulado Sanar. Lo compuso en la intimidad de su hogar el pasado mes de septiembre, la letra la hizo junto a Pedro Irigaray y la mezcla estuvo a cargo de Facundo Rodriguez.
“Hoy es el tiempo de dar todo, hasta el dolor. Dejando el alma cada día, dándolo todo por amor”, canta Mollo en una de las estrofas de la canción que él mismo anticipó como “una pequeña introspección, una reflexión, un tiempo que quedó ahí y por suerte se convirtió en música”.
Sanar fue publicada con una portada realizada por el dibujante Gervasio Troche.
Por otro lado, el último lanzamiento de Divididos fue Insomnio, presentado también en medio de la pandemia a través de sus redes sociales.
El misterio continúa en torno a los próximos pasos de AC/DC.
Ayer lunes el grupo renovó sus perfiles en redes sociales, con una imagen de su rayo característico en luz de neón. Hoy, tenemos más información: resulta que en varias ciudades del mundo hay carteles y afiches con el nombre "PWR/UP" -por ejemplo, fuera de la escuela de Angus Young-, todos relacionados con el conjunto. De inmediato las conjeturas afirman que se trata del nombre de su nuevo álbum de estudio. Además, se lanzó un nuevo sitio web con dicho nombre y su newsletter, con varios anuncios que guardan el mensaje "¿Estás listo?".
Por ahora no hay información de carácter oficial como fechas o tracklist, solo rumores, pero varios aseguran que es un hecho: AC/DC está de vuelta, con Brian Johnson y Phil Rudd, con un álbum nuevo.
Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado tocaron desde el escenario del estadio Malvinas Argentinas y el Indio se sumó virtualmente al show.
“Uno extraña el escenario. No estoy en las condiciones de ser el indio Solari. Ahora soy espectador”, dijo Solari, en uno de varios audios con los que apareció en el documental. “Para suplirlo a él hacen falta unos cuantos” cerró Pablo Sbaraglia para referirse al pase de posta entre toda la banda en las voces de las canciones.
El espectáculo, bautizado Desde los satélites, fue transmitido por streaming y agotó las entradas puestas a la venta, limitadas a 20 mil tickets para no colapsar el sistema,con una lista de 36 canciones que recorrieron el festejo de sus 15 años.
De forma virtual el Indio cantó Yo caníbal y Porco Rex, en una primera parte; y luego, a lo largo del show, hizo su aparición en Susanita, Un ángel para tu soledad, La moda no es vanguardia, La oscuridad y Pinturas de guerra, los últimos tres temas pertenecen al último disco, El ruiseñor, el amor y la muerte, que no fue presentado en vivo.
Todos los que adquirieron las entradas para ver a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado tuvieron acceso a una previa con imágenes inéditas sobre la historia de estos quince años de la banda y un documental llamado Con los puños en alto, con entrevistas exclusivas. Desde los satélites quedará colgado en la plataforma por unos días en la modalidad on demand y parte de lo recaudado con el show será destinado a La Garganta Poderosa.
El Indio ya había incursionado en este tipo de tecnologías y realizó intervenciones virtuales en los anteriores shows de los fundamentalistas, que arrancaron para juntar fondos para el tratamiento médico del baterista Martín Carrizo, diagnosticado con esclerosis lateral amiotrófica en noviembre del año pasado.
Lo habían anticipado y llegó: ya está disponibleStrange Timez, el tema en el que Robert Smith colabora con Gorillaz.
Además de estrenar esta canción, Gorillaz anunció el lanzamiento de su próximo disco lleno de participaciones especiales entre las que se encuentran nombres como Elton John, St. Vincent, Beck y más.
El álbum, que saldrá el próximo 23 de octubre, se titulará Song Machine: Season One – Strange Timez y estará compuesto por 11 tracks, varios de los cuales ya conocimos en el lanzamiento por episodios de este proyecto audiovisual de Gorillaz, que arrancó el pasado mes de enero.
Ozzy Osbourne, fue uno de los miembros originales de Black Sabbath y, por ende, uno de los padres del heavy metal... aunque aún no sepa cantar.
La verdad es que por mucho que le llamen "el Padrino" no deja de moverse como un pato mareado (doy fe, por un vídeo de los Sabbath de principios de los 70 que pude ver, de que alguna vez pareció casi normal), pero precisamente todo esto junto es lo que hace que triunfe: es auténtico.
Con este disco comienza su etapa solista, aunque, para mi gusto, el protagonismo recae en el guitarrista Randy Rhoads (uno de mis dioses particulares, para qué negarlo).
Randy era hijo de la dueña de una escuela de música, quien dijo a su profe de guitarra que enseñara al pibe y, llegado a un punto, el profe dijo que el pibe le enseñaba a él.
Miembro de Quiet Riot, (grupo directo rival de Van Halen en aquella época), ganó el puesto para el grupo de Ozzy y comenzo su camino a la fama, siendo incluso elegido en poco tiempo guitarrista del año por la MTV (de cuando ahí había otro tipo de música).
Parece que era conocido por ser tímido y porque, después de los conciertos, en vez de irse de joda, buscaba profesores de guitarra clásica para seguir aprendiendo. .
El disco empieza con expectación, estallándote de repente en la cara un I don't know, declarador de intenciones, abriendo boca y anunciando qué vamos a encontrar en el resto del disco.
De ahi vamos al tema estrella del disco, Crazy train, con ese famosísimo riff, del que no puedo decir más que hay pocas canciones que me sigan gustando tanto después de escucharlas mas de mil veces.
Despues de este momento álgido, bajamos la excitación un poco y nos encontramos con un Goodbye to romance que viene a ser una de las madres de las posteriormente tan manidas y fotocopiosas baladas heavy, de estas que van creciendo poco a poco hasta que estallan en el súper-solo.
Como puente con lo que queda del disco, la siguiente en la lista es Dee, una canción acústica que Randy titula en honor a su madre.
Y tomamos la Suicide solution, aquella con la tan polémica letra que hacía que los adolescentes estadounidenses acabaran con vida.
Mr. Crowley nos lleva a lugares más siniestros en todos los sentidos (habla de un ocultista), si cabe, con un grandioso y furioso solo.
No bone movies era una de las canciones estrellas en los vivos en aquellos primeros años 80, pero, personalmente, me resultan de las que menos me motivan del disco, un tanto fácil aunque divertida. .
Revelation (Mother Earth) es una canción triste, de denuncia, arrepentimiento y mocos en mano.
Entonces, sin previo aviso, estalla el hippioso final apoteósico de Steal away (the night), que también está entre mis favoritas indiscutibles y que es de ese tipo de temas-cierre que te deja saciado a la vez que saltando y con ganas de más. Como debe ser.
No puedo decir otra cosa más que este disco es uno de los pilares del heavy metal.
Ni uno solo de los temas es despreciable, Ozzy tuvo la mayor suerte de su vida al encontrar a alguien como Randy Rhoads para acompañarlo en los dos discos que trabajaron juntos,(sin obviar en esta labor a nadie de la formación, como a Don Airey, que no es casi nadie el chabon).
Temenda pérdida para la música la de este genio creciente al matarse en plena gira, que podemos sumar a la de Cliff Burton de forma similar, que ¿quién sabe dónde estarían hoy?
Quizá dando conciertos de guitarra clásica... esperable de quien compuso el corazon de un clasicazo.
P.D.: Alejense de las ediciones de 2002 en las que sustituyeron las pistas del bajista y batería original debido a juicios y rencores. Un afano de la mano de Sharon... la Yoko Ono del heavy metal.
La figura trascendental de Ozzy vuelve a ser homenajeada.
Hoy se dio a conocer la interpretación de 'Revelation (Mother Earth)',de aquel primer disco solista del Ozzy, luego de su paso por Sabbath.
Quienes realizaron esta version son: Phil Demmel (Machine Head, Vio-Lence), Rudy Sarzo (Whitesnake, Quiet Riot, The Guess Who), Mike Portnoy (Dream Theater, Sons of Apollo, The Winery Dogs), Dino Jelusick (Transiberian Orchestra, Animal Drive).
Esta versión, grabada con todos los músicos en cuarentena, es una de las favoritas que el guitarrista tiene de Ozzy y que todo se inició cuando Portnoy le reveló que era una de las canciones que le gustaría hacer.
Metallica acaba de lanzar su disco en vivo junto a la Orquesta Sinfónica de San Francisco, "S&M2".
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Los conciertos "S&M2" de Metallica y la Orquesta Sinfónica de San Francisco del 6 y 8 de septiembre de 2019 fueron históricos por dos motivos: sirvieron de gran inauguración del Chase Center de San Francisco, y reunieron a la banda y a la Sinfónica por vez primera desde las pasadas actuaciones de 1999, que fueron recogidas en el álbum premiado con Grammy, "S&M".
Las actuaciones, con todas las localidades agotadas, fueron recibidas intensamente por los 40.000 fans que viajaron a San Francisco desde casi setenta países, además de los medios de comunicación que asistieron: Rolling Stone publicó: "El grupo demostró que es posible cualquier cosa"; Variety resaltó la atmósfera "que rezumaba excitación", mientras que Mercury News se hizo eco afirmando: "Un concierto del que hablarán los fans durante las décadas venideras"; y Consequence of Sound señaló: "Una verdadera celebración de Metallica y su pericia musical".
"S&M2" es un lanzamiento único dentro del catálogo de Metallica, tanto por su sonido como a nivel visual. Producido por Greg Fidelman con James Hetfield y Lars Ulrich, el álbum en directo recoge más de dos horas y media de James, Lars, Kirk Hammett y Roberto Trujillo uniendo sus fuerzas a la Sinfónica de San Francisco de ochenta componentes, junto a su Director Musical, Michael Tilson Thomas, y su director Edwin Outwater.
David Gilmour ha compuesto su primera canción nueva desde 2015, el tema 'Yes, I Have Ghosts', y ha sido presentada al mundo este viernes, 3 de julio, a través de plataformas digitales.
El tema aparece firmado también por su hija Romany Gilmour, que aporta voces y su arpa.
"Hemos decidido celebrar el lanzamiento mundial de mañana de mi nueva canción, 'Yes, I Have Ghosts', con otra retransmisión de la Von Trapped Family esta noche del jueves".
La Von Trapped Family es como de manera cariñosa se refiere a su familia durante el confinamiento, y su esposa, la letrista Polly Samson, es de hecho la autora del audiolibro 'A Theater for Dreamers', el cual contiene el tema entre su contenido.
Polly Samson publicaba el 25 de junio el audiolibro 'A Theater for Dreamers' y Gilmour colgó un avance sonoro del tema de apenas 23 segundos:
Algunos medios como 'The Times' ya han hecho su propia reseña del tema
También se pueden escuchar otros momentos del tema en este otro vídeo:
El audiolibro 'A Theater for Dreamers' se lanzaba este 25 de junio a través de la editorial WF Howes.
El single de Gilmour tan sólo forma parte del audiolibro, y no de un disco al completo, por aclarar dudas.
El libro de Samson y la canción compartirán un personaje y todo el audiolibro en conjunto contará con música original de Gilmour en todo momento, por lo que la colaboración entre ambos es clave para ambas creaciones.
Sobre el audiolibro, Gilmour ha comentado:
"La escritura vívida y poética de Polly, junto con su voz de narración muy natural, hizo que unir fuerzas para producir la versión de audio de 'A Theater For Dreamers' sea una experiencia fantástica y satisfactoria. El formato del audiolibro tiene mucho potencial sin explotar, y me sorprende que más músicos no hayan colaborado ceativamente con autores, narradores y productores de audiolibros de esta manera antes. Los dos mundos parecen vincularse a la perfección, y la música realmente puede ayudar a dar vida a los audiolibros de formas nuevas e inesperadas".
La hija del matrimonio, Romany Gilmour, ha formado parte también del proyecto con su arpa y voces adicionales.
"Estoy realmente contento y orgulloso de cómo se han entrelazado las palabras de Polly y mi música",
Esa noche, el músico presentó versiones renovadas de algunos temas de Pescado Rabioso y de Almendra que se relacionan estéticamente con su nueva búsqueda.
En plena pandemia por coronavirus, la familia de Luis Alberto Spinetta recuperó y remasterizó la grabación de la presentación "Artaud", un show que se realizó el músico el domingo 28 de octubre de 1973 en el Teatro Astral.
Esa noche, Spinetta presentó versiones renovadas de algunos temas de Pescado Rabioso y de Almendra que se relacionan estéticamente con su nueva búsqueda.
Así, presentó por primera vez "Todas las hojas son del viento", "Bajan" y "Cantata de puentes amarilllos"; además de canciones inéditas hasta ese momento como "Barro tal vez" y un tema jamás grabado escrito a dúo con David Lebón "Ella flota en mí".
La edición digital fue realizada de la mano de Espantapájaros y ya se encuentra disponible en todas las plataformas. Lo cierto es que no tardó en volverse viral entre todos los fanáticos de "El Flaco".
“Sé que ustedes me quieren y que hay mucha gente más que también me quiere. Me quiere aunque esté con un trío o con un cuarteto, con una balalaica o con un gato maullando”,
decía Spinetta al inicio del show.
Muchas gracias Filo.News de donde saque esta data!
La Renga comenzó el 2020 con doble estreno: "Para Que Yo Pueda Ver" y "Flecha en la Clave".
Ahora el trío de Mataderos lanza "En Bicicleta", el quinto adelanto del nuevo trabajo discográfico de la banda. "En Bicicleta" se estrenó con un video con estética de cómic, que tiene a los integrantes como protagonistas, mezclando imágenes reales con ilustraciones que hizo Juan Videla.
El audiovisual fue dirigido por Diego Stokelj y Sebastián Arcidiácono y las imágenes de los músicos fueron grabadas en sus casas y filmadas y producidas por sus familias.
"En Bicicleta" fue grabada en estudios de La Renga durante el año 2019.
Fue mezclado y Masterizado en "El Séptimo Triángulo" en Mayo del 2020.
Es un sencillo de la banda de rock inglesa de su primer disco Definitely Maybe.
Tiene influencias del blues compuesto por Noel Gallagher y cantado por su hermano Liam, es el segundo sencillo extraído del álbum.
13 de junio de 2000
Bon Jovi lanza Crush.
Tal día como hoy, Bon Jovi volvían al panorama musical con "Crush", tras un largo periodo de 5 años de inactividad, en los que los miembros de la banda exploraron otras facetas diferentes fuera de la banda, como el cine y la actuación en el caso de Jon, por ejemplo.
El álbum trae dentro el que, sin duda, es el "himno contemporáneo" de la banda, "It´s My Life", además de otros temas notables como "Thank You For Loving Me", "One Wild Night", "Next 100 Years" o "Two Story Town", entre otros.
13 de junio de 1964
The Rolling Stoneslanzan
“Tell Me” y “I Just Want to Make Love to You”.
Tell Me (You're Coming Back) «Dime (que vas a volver)» es una balada de The Rolling Stones, presentada en su álbum homónimo de 1964 (más tarde editado como England's Newest Hit Makers en los Estados Unidos).
Se convirtió en la primera canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards que la banda lanzó como sencillo en Norteamérica.
No fue lanzada en el Reino Unido.
El lado B contenia I Just Want To Make Love To You
Megadeth lanza Killing Is My Business… And Business Is Good!.
El álbum debut de Megadeth iba a costar 5000 dólares, pero se gastaron las tres cuartas partes en drogas y alcohol. Tuvieron que producirlo ellos mismos y tuvo muy buena repercusión. Thrash metal, religión, violencia, asesinatos y ocultismo.
Last Rites / Loved to Deth
Killing Is My Business...And Business Is Good!
The Skull Beneath the Skin (Demo)
Rattlehead
Mechanix
These Boots
12 de junio de 2008 Coldplay lanza Viva la Vida or Death and All His Friends
El cuarto disco de Coldplay fue producido por Brian Eno. Con el paso de los años, se convirtió en el álbum más vendido en la historia de las ventas digitales.
01 - 00:00 - Life In Technicolor - Hammerstein Ballroom: New York City, New York (10/22/08)
02 - 02:29 - Cemeteries of London - Pinkpop Festival: Landgraaf, Netherlands (06/11/11)
03 - 05:59 - Lost! - BBC Television Centre: London, England (6/18/08)
12 - 41:21 - Death and All His Friends - Asia Expo: Chep Lapkok: Hong Kong (03/25/09)
12 de junio de 2007
Queens of the Stone Age lanza Era Vulgaris.
El quinto álbum de estudio de la banda liderada por Josh Homme se grabó en varios estudios y tardó casi un año en completarse. Según su cantante, las canciones se inspiran en
“el conducir a través de Hollywood y su especial paisaje”.
Colaboran Mark Lanegan y Billy Gibbons de ZZ Top, Trent Reznor de Nine Inch Nails y Julian Casablancas de The Strokes.
A días de confirmar el reagendamiento del retorno de Mötley Crüe para el 2021, su baterista confirma que retomará su actividad propia, publicando dos singles.
'Tops' y 'Knock Me Down' serán parte de "Andro", tercer título del estadounidense.
Ambos tracks están fuertemente influenciados por el rap: en el primero cuenta con la presencia de la sudafricana Push Push, mientras que Killvein, hace lo propio en el segundo.
Steve Vai publico una nueva canción como celebracion de sus 60 años: 'Candle Power".
Para grabar este nuevo tema, el guitarrista utilizó un modelo Stratocaster, a diferencia de su tradicional Jem. Además utilizó solo sus dedos en lugar de una uñeta, sin efecto Whammy y con un tono más limpio que lo acostumbrado. Todo esto para darle una mayor sensación de desafío. (Rockaxis)
Vai comenta al respecto:
"Durante este período, el mundo comienza a recuperarse lentamente de la pandemia de Covid-19. Muchas personas aún enfrentan desafíos y están ansiosas por encontrar entretenimiento en Internet. He visto lo mejor en muchas personas durante este momento desafiante. Cuando las personas se unen con una intención positiva común, el aumento de poder que crean dentro del colectivo es el elemento de curación que más se necesita. Como muchas velas pequeñas que se unen para arder tan brillante como una estrella".
"Necesitaba un título para la canción, y con lo anterior en mente, y el hecho de que cumplo 60, elijo el título 'Candle Power' (Poder de Velas)".
Cuenca Ciudad de la Furia: Un homenaje a Soda Stereo
El 15 de diciembre de 2007, Soda Stereo dio su último concierto en la ciudad de Córdoba Argentina.
El 21 de diciembre de 2007, Soda Stereo cierra su gira “Me verás volver” en River Buenos Aires - Argentina, el cual se convierte en el último concierto de su historia, con la banda original.
Un grupo de 170 músicos, fanáticos de la banda, considerada para muchos como la más importante del rock en español, se reunieron el 15 de diciembre de 2019 para tocar juntos la canción icónica de la agrupación, De Música Ligera, y filmar este video que ha sido compartido este 21 de diciembre, a las 9:49 pm (hora en la que Soda estaba en la recta final de su último concierto hace 12 años).
El vídeo se lo grabó en vivo en el Parque La Libertad de la ciudad de Cuenca Ecuador, en el cual, hasta hace dos años funcionaba una cárcel, la misma que representa la Furia, que hoy a través del buen Rock se transforma en libertad.
Quienes formamos parte de esta gran banda esperamos que este tributo sea el primero de muchos. Pues Soda Stereo, y Gustavo Cerati nos han dejado un legado musical que traspasa las modas generacionales. Así lo demuestra la composición de este grupo de fanáticos que cuenta con miembros que van desde los 13 hasta los 56 años de edad, formado además por músicos profesionales y amateurs que tenemos algunas cosas en común: gusto por el buen Rock, fanáticos de Soda, y un amor profundo por nuestra ciudad: Cuenca, Ciudad de la Furia!!
Este vídeo tiene la intención de demostrar nuestra admiración y respeto por Soda Stereo, por sus tres integrantes originales Gustavo, Charly y Zeta, por la memoria de Gustavo Adrián Cerati Clark como líder, y por los millones de fans que, como nosotros, han vibrado con su música.
Esperamos que todos lo disfruten tanto como nosotros lo disfrutamos mientras lo hacíamos.
Emulos locales de The Clash, Los Violadores fueron la primer
banda punk argentina en lograr repercusión masiva.
Ya por 1980 sus
presentaciones en pequeños reductos underground convocaban a cientos de seguidores...
y a la policía que inevitablemente interrumpía los shows. Por ese entonces, la
censura les prohibió el nombre, y entonces se hacían llamar "Los
Voladores".
«Queríamos hacer algo punk pero enraizado en nuestra realidad.
No queríamos ser parte de ese rock argentino complaciente y callado ante la
dictadura, cómplice de las barbaridades».
Luego del primer disco ("el más rabioso de la historia
del rock nacional", según el mismo Pil Trafa), Stuka pasó a ocupar el
lugar dejado vacante por Harry B y Robert "El Polaco" Zelazek se
incorporó en el bajo.
En aquel entonces, el principal enemigo de la banda era el
régimen militar y, en segundo término, la ideología hippie. Si bien comportían
ese enemigo en común, mantenían una fuerte confrontación con los músicos
líderes del momento: Serú Girán, León Gieco y Spinetta Jade.
Gracias a los contactos con Michel Peyronel, el baterista de
Riff, el grupo logra grabar el primer LP. La presentación del material tuvo
lugar en Obras, con todas las características del punk, que incluyen los
salivazos entre público y músicos.
Las diferencias de criterio musical entre Stuka y Pil Trafa
pueden apreciarse en los discos. "Fuera de Sektor" (1986) tiene el
estilo de Stuka: más cercano al dark de The Cure y a U2.
"Mercado
indio" (1987), por su parte, sigue la línea más punk de Pil Trafa.
Justamente para la época que se editaba ese trabajo, Pil comentaba: «A mí me
gusta la música que me emociona, y esto que hacemos es un sentimiento (...) Las
letras no me salen por querer componer un soneto. No, son desgarradísimas (...)
Yo estoy viviendo en esto, estoy sufriendo la gran ciudad, estoy gozando y me
estoy muriendo, lleno de smog, de humo, de cemento, de cal. Yo no podría hacer
otra cosa que no fueran Los Violadores. Creo que con Los Violadores se acaba mi
carrera en la música, no podría estar en otro lado, no me sale, no me da y ni
siquiera lo intento» (G.Guerrero, pág 214). En 1989 se incorporó el baterista
Sergio Vall.
"En vivo y ruidoso" (1990) fue grabado en Obras
con hits viejos y también material nuevo.
El show comenzó con el tenor Carlos
Saidman interpretando el Himno a la Alegría, de la Novena Sinfonía de
Beethoven, en versión punk, desde ya.
La banda se despidió en 1992, con unos shows en Obras,
cuando ya las diferencias entre Stuka y Pil Trafa eran insostenibles. Este juró
no volver más a reunirse "por respeto a su gente" y creó el grupo
Pilsen. Stuka creó Stukas en vuelo.
A fines de 1995 «sentimos la necesidad de volver a tocar
juntos», confesaron. Se reunieron con Stuka y con Sergio Vall para intentar
rearmar el cuarteto, pero las expectativas económicas fueron diferentes.
La
banda quedó integrada por Pil Trafa (voz), Polaco Zelazek (bajo), Anel Paz
(guitarra) y Adrián Blanco (batería). Prometieron disco nuevo, gira por el
interior y "seguir tocando por un largo rato".
Stuka y Pil Trafa editaron un disco a duo en 1999, con el
seudónimo Stuk@pil.
Luego de todo un 2000 de presentaciones en vivo, finalmente
en el 2001 editaron "Lo mejor de Los Violadores", un disco de temas
clásicos, pero en nuevas versiones. Desde ese momento, la quedó integrada por
Pil (voz), Stuka (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería).
"En vivo y ruidoso II" fue grabado en vivo el 25
de octubre del 2002 en Cemento. Incluye 16 clásicos de la banda, más tres temas
nuevos: "El día que no hubo aviones", "Todo fue hecho por amor
(pero fracasó)" y "Santa Bailanta". Y un bonus track: "Viva
la revolution", grabado en estudio con la participación de los alemanes
Die Toten Hosen.
Oficializando que "no estamos peleados, pero tampoco
somos amigos", Pil lideró la banda para "Y va... sangrando", un
disco de seis temas que tiene a Tucán como guitarrista y co-compositor.
En el 2006 editaron "Bajo un sol feliz" a través
de EMI. Pil (voz), Tucán (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería)
festejaron los 25 años de la banda.
En 2009, Los Violadores presentan "Rey o reina",
álbum que cuenta con la producción artística de Martín Carrizo, ex A.N.I.M.A.L.
y con la participación de Chizzo, cantante de La Renga en la canción
"Fashion revolution".
Al cumplirse 30 años de "Y ahora que pasa, eh?",
los cuatro integrantes originales se reunieron para un show en el Luna Park,
que quedó registrado en un CD doble y DVD, acompañado por un libro: "Luna
punk".
“El espíritu del vino” (1993) o el álbum más sagrado de Héroes del Silencio.
Tras la edición en 1990 del álbum “Senderos de Traición”, Héroes del Silencio habían definido nuevos horizontes para el rock en castellano y se había convertido en un disco de culto.
Tras sacar su primer single “Entre dos Tierras”, se vendieron 250.000 copias, y el disco fue un gran éxito: un millón y medio en Europa (en tan sólo ocho meses de su salida, vendieron 400.000 copias en España). Phil Manzanera (ex integrante de Roxy Music) fue imprescindible para traducir la energía, vigor, potencial, carácter y actitud de la banda zaragozana, que bien es cierto, se concretaría mejor en su próximo disco.
Aquel “Senderos de Traición” que tanto arrasó, se debió en buena parte a la extensa e intensa gira de presentación por toda la geografía española y más adelante, la europea.
Si en 1991 había sido un año de cúspide para el rock: Aerosmith con “Pandora´s Box”; Dire Straits con “On Every Street”; Genesis con “We can´t Dance”; Guns N´Roses con “Use Your Illusion I” y “Use Your Ilusion II”; Helloween con “Pink Bubbles Go Ape”; Lenny Kravitz con “Mama Said”; Metallica con “Metallica” (The Black Album);Nirvana con “Nevermind”; Ozzy Osbourne con “No More Tears”; Red Hot Chili Peppers con “Blood Sugar Sex Magic”; Slayer con “Decade of Aggression” o Van Halen con “For unlawful Carnal Knowledge”… en 1992 fue un año que se editaban aún mas álbumes colosales de rock: AC/DC con “Live”; Bon Jovi con “Keep the Faith”; Brian May con “Back to the Light”; Def Leppard con “Adrenalize”; Iron Maiden con “Fear of the Dark”, Joe Satriani con “The Extremist”; Kiss con “Revenge”; Manowar con “The Triumph Of Steel”; Megadeth con “Countdown to Extinction”; Nirvana con “Incesticide”; Pantera con “Vulgar Display Of Power”; Peter Gabriel con “Us”; Ringo Starr con “Times Takes Time”, Stone Temple Pilots con “Core”; The Cure con “Wish”; The Ramones con “Mondo Bizarro” o U2 con “Zooropa”… Y Héroes del Silencio estaban absorbiendo la nueva ola y resurrección del rock, deseando crear un álbum que diera lo mejor de ellos mismos y que estuviera a la altura de las grandes bandas internacionales.
Así que, Héroes del Silencio, formado por Juan Valdivia (guitarra); Joaquín Cardiel (bajo); Enrique Bunbury (voz y guitarra acústica) y Pedro Andreu (batería), se pusieron a componer y trabajar en su próximo álbum de estudio, (el tercero de su discografía), de nuevo, confiando con el productor que los catapultó: Phil Manzanera. Pensaron en hacer un disco doble, pero Phil argumentó que sería demasiado material e innecesaria la expansión, que se concentrara todo en un solo álbum, así lo recordó Phil Manzanera en 2007 para El País:
“aluciné cuando me dijeron que querían hacer un disco doble. Normalmente, hubiera echado mano de mi pistola o me hubiera tirado por un barranco, pero les veía tan entusiastas que dije, venga, vamos a grabarlo. En el fondo, pensaba en luego seleccionar canciones y dejarlo en un solo disco”.
“Cantó una noche el alma del vino en las botellas: ¡Hombre, elevo hacia ti, caro desesperado, desde mi vítrea cárcel y mis lacres bermejos, un cántico fraterno y colmado de luz! / Sé cómo es necesario, en la ardiente colina, pensar y sudar bajo un sol abrasador, para engendrar mi vida y para darme el alma; mas no seré contigo ingrato o criminal…”
Así empieza el poema “El Alma del Vino” de Charles Baudelaire, que inspiró a la banda para que fuera el aliento de la gestación de su nuevo trabajo discográfico; la poesía sigue: “disfruto de un placer inmenso cuando caigo en la boca del hombre al que agota el trabajo, y su cálido pecho es dulce sepultura que me complace más que mis frescas bodegas”.
De esta manera expresa Enrique Bunbury –entrevista de 2007 para un especial de El País- el proceso del álbum: “El Espíritu es el disco que más me ha costado porque fuimos al estudio con muy pocas canciones, y recuerdo estar escribiendo la letra mientras mezclaban la canción en el estudio. Todavía no estaba, tenía que cantar, y ya estaban mezclando la base. Fue un poco estresante y no me gustó nada”.
De esta manera, producido y dirigido por Phil Manzanera grabado desde finales de 1992 en Gallery Studio (Surrey Chertsey), mezclado en los estudios Metropolis (Londres), el ingeniero de sonido y mezclas fue David Nicholas, y como asistentes fueron Ash Howes y Charles Rees.
El invitado especial fue Copi Corellano –con quien he tenido el honor de entrevistar- al piano y hammond, además de Phil Manzanera a la guitarra.
A mediados de 1993 se publicó el esperadísimo tercer trabajo de Héroes del Silencio, llamado: “El espíritu del vino” (EMI), en la edición LP el formato fue de disco doble (que es toda una rareza en el mercado español) y en la edición CD, fue de un solo disco. La portada del álbum es de la autoría de Antonio Díaz, que muestra la calle Alonso I de Zaragoza metida en una bola de cristal. Además, con un admirable esfuerzo promocional de la discográfica EMI, para uno de sus grupos favoritos, el disco de envió a la prensa en una lujosa caja junto a una botella de vino con una etiqueta que hacía referencia a su título (hoy en día esa botella es una valorada y valiosísima pieza de coleccionista).
Un trabajo denso: estéticamente, filosóficamente y musicalmente. Predomina el color rojo, cuyo significado es el del fuego y el de la sangre, por lo que se asocia al peligro, a la guerra, la energía, la fortaleza, la determinación, así como la pasión, al deseo y al amor.
El disco se acompaña de un exquisito diseño gráfico a cargo del estudio Pedro Delgado, quién confeccionó la evolución definitiva del logo de Héroes del Silencio, que es actualmente la más reconocida y célebre del grupo.
El novedoso álbum de Héroes, está nombrado como el White Álbum de la banda y calificado como el trabajo musical más expresivo, significativo, simbólico y representativo de Héroes del Silencio: mantienen la tradición del Rock & Roll de los años ´60 y bien entrados los ´70, con la influencia de la nueva ola del Hard Rock, adaptándose a las tendencias de la crudeza del grunge; Héroes del Silencio se avanzaron a su tiempo. Musicalmente es extenso, experimental, psicodélico… acompañadas de unas letras más poéticas (enlazadas a poetas como William Blake, Pablo Neruda, Pedro Salinas, Nietzsche…), con referencias a la filosofía, al espiritualismo, al amor, al desamor, a las drogas, a las relaciones abordando encuentros humanos, a los sueños… “lo probamos absolutamente todo…” recuerda Enrique Bunbury para El País, en 2007.
Pero por su estética de rock gótico también lograron ser atemporales gracias a su notable cambio de imagen. En el interior vemos una espléndida fotografía de la banda (realizada por Jhon Stoddart), y observamos el florecimiento de la rabia juvenil (como vimos en su día con el Punk) y llevado a una actitud definida como la más barroca de Juan, Joaquín, Pedro y Enrique.
También es digno de nombrar (que a menudo se pasa por alto) el arraigo ilustrativo de la conexión entre la música con la cultura vitivinícola. La sociología del vino es permanente en, por ejemplo, fiestas (ligadas al vino), al cine (películas, documentales…), en la literatura, sin embargo, escasea el contacto directo con la música, y creo que Héroes del Silencio ha abierto un camino para profundizar en la variedad cultural del vino, en ese aspecto, la banda ha plantado una semilla, como también lo hizo Seguridad Social con su “Vino, tabaco y caramelos” (1988) o Gabinete Caligari con su “Al calor del amor en un bar” (1986).
Dieciséis cuidadas canciones, todas en el libreto traducidas al inglés y acompañadas de una imagen en cada tema (a la manera de los que incluyeron Led Zeppelin con su cuarto álbum), siendo un álbum muy visual:
01.NUESTROS NOMBRES
La composición (que se convirtió en single) empieza como si fuera un ensayo (parece ser que la grabación se realizó durante una Nochevieja y decidieron conservarla para darle un toque de improvisación), que tras los redobles de la batería de Pedro Andreu, estalla esta canción con un rock explosivo pero con un hilo misterioso. La letra da a diversas interpretaciones, pero el diseñador de los logos del cuadernillo del disco afirmó sobre esta canción que efectivamente, hablaba de sexo. “Y no sabemos ni nuestros nombres, no ignoramos nuestros excesos; pero tu sola presencia me enferma y me vacía, con un grito de esperanza te digo adiós”. Hay un protagonismo en la fantástica guitarra eléctrica de Juan Valdivia, que hace memorables riffs, mientras Enrique canta: “…asentir sin haber comprendido que aquellas manos me asediaban, dime: ¿querrías tu pintar una casa con alas?”.
Es curioso escuchar esta canción considerablemente extendida, incluida en el álbum “Rarezas” (1998), esta vez remezclada por Noel Harris.
02.TESORO
Alejado del rock clásico, esta composición traza una línea evolutiva de la banda, el eclecticismo de su musicalidad, un tema casi acústico, con una preciosa orquestación bajo unas letras muy oníricas: “ayer teñí de color sangre mis sueños, y no queda nada sagrado que me divierta ya” envuelta de una poética particular: “conseguiré esa sonrisa si la puedo comprar, será de mis favoritas, acumuladas en mi tesoro y me esperan”.
03.LOS PLACERES DE LA POBREZA
Una de mis composiciones favoritas (se convirtió en single). Este tema estalla de un atrevido rock juvenil; árido salvajismo y lleno de rabia: “cegados por la voz de la inexperiencia nos arrastramos sin pensar a lomos del desierto hacia las cavernas, las huellas del peregrino me guiarán”. Toda la banda tiene un protagonismo esencial en esta canción: la batería marca el ritmo frenético, el bajo arropa los acordes de guitarra eléctrica con unos riffs extraordinarios, mientras Enrique canta: “…y los placeres de la pobreza han vencido a mi burlada revolución”.
04.LA HERIDA
Después de la tormenta eléctrica de “Los placeres de la pobreza”, esta composición (que se convirtió en single) empieza más relajada gracias a las guitarras españolas y acústicas. Enrique Bunbury canta la relación de una amistad convertida en enemistad y sus desavenencias: “¿qué hay en dos amigos cuando después de todo parecen perdidos y prefieren a otros? ¿Qué dan lerdas manos, ignorando lo dado, si antaño se estrecharon, ahora están engañados?”, y como si Enrique quisiera poseer la pócima para curar las ofensas y los ultrajes, canta lleno de impotencia: “¿qué demonios ocurre cuando miradas no se encuentran? La pelea de gallos, se admiten apuestas ¿quién buscó abrigo en algún otro lugar? ¿Es posible que el frío venga con la edad? Siempre es la misma función, el mismo espectador, el mismo teatro en el que tantas veces actuó”; se plasma en este tema las pasiones literarias y escénicas de la banda.
05.LA SIRENA VARADA
Dando continuidad a su primer álbum “El mar no cesa” (1988), e influenciados por la obra literaria “La Sirena Varada” (1934), una obra de teatro del escritor asturiano Alejandro Casona, Héroes del Silencio desarrollan esta composición (que se convirtió en single) muy melódica, con una sirena como protagonista, Enrique Bunbury anima a la sirena a que regrese al mar, para huir de la sociedad actual marginada y corrompida: “Sirena vuelve al mar, varada por la realidad, sufrir de alucinaciones cuando el cielo no parece escuchar”. Enrique lo recordó en 2007 para El País, de la siguiente manera: “estábamos en Londres, era Navidad, no recuerdo si Nochebuena o Nochevieja, y supongo que Phil se fue a casa con su familia, igual que el resto del equipo. Nos juntamos para probar el éxtasis, que entonces era una droga muy poco conocida fuera de los círculos de acid house. Era la primera vez que lo hacíamos y salió La Sirena Varada. Al día siguiente se la pusimos a Phil y le encantó. Fue una época muy intensa”.
06.LA APARIENCIA NO ES SINCERA
El símbolo que acompaña este tema (unas ramas con espinas), describe perfectamente la trama central de esta composición. Este tema no es excesivamente eléctrico, la voz de Enrique da mucho juego en esta ocasión: “acorralado, entre tu futuro y mi pared, cuestionando cada una de las frases, ¿sabes? Nunca estuviste en la canción, pero, tan dulcemente te entregaste… y te oigo decir: dame tantas rosas como espinas me clavé. No encajo bien tus bromas ¿por qué serás tan cruel?”.
07.Z
Es un tema instrumental, llamada “Z” por la inicial de la ciudad natal del grupo, Zaragoza. El escaso minuto de duración, se escucha la guitarra que toca Juan Valdivia (autor de la composición, con una variedad de arpegios en la melodía de influencia country. También es introductorio para la siguiente canción…
08.CULPABLE
“Silencioso como una sombra no hay experiencias vetadas, por las salas de los consejos que habitan las alimañas, y aquel rasguño se me abría y ya tardaba en cicatrizar”, así empieza esta composición muy armónica acabando con un final muy apoteósico, con una letra llena de intimismo y revolución personal: “ir más allá de lo permitido por los fluidos que recorren el cuerpo, renunciarás a las costumbres y sometidos, la procesión irá por dentro”.
09.EL CAMINO DEL EXCESO
“El camino del exceso” fue también el nombre que se le dio a la gira de Héroes del Silencio para promocionar su álbum, tocando en España, Europa y América. Fue nuevamente una gira dilatada y donde se agravaron más los problemas internos.
Esta composición, que es una de las más originales y espléndidas del cancionero español de todos los tiempos, se abre con un radiante rock, con un eufórico y pletórico Enrique Bunbury que canta: “es cierto: camino de exceso, fuente de saber, un plato de desprecio ahoga el veneno, mientras dure el dinero y dure el empeño ladrillo a ladrillo quedan años después…”
La guitarra eléctrica de Juan Valdivia colma con un rock contundente lleno de rabia, envuelta en una letra llena de referencias poéticas y literarias: “quemamos con malas artes el espíritu del vino y no va a regresar, no, no va a regresar”.
10.FLOR DE LOTO
Esta es la composición más espiritual de todo el repertorio de Héroes del Silencio (se convirtió en single). Con una hermosa letra inspirada en una niña de la India que Enrique apadrinó: “nunca fue tan breve una despedida, nunca me creí que fuera definitiva, nunca quise tanto a nadie en mi vida, nunca a un ser extraño le llamé mi familia”. Con evidentes influencias orientales, el tema se acompaña de un sitar y unas guitarras acústicas, muy rítmicas, con referencias a la India; Héroes del Silencio vuelven a evolucionar musicalmente con otro tema como este. Un recorrido y viaje tanto espiritual como vital: “fácil es buscar (fácil no encontrar)”.
Esta composición muy enlazada con la filosofía zen, es paralela a cuando los Beatles elaboraron su álbum blanco, (la mayoría de las canciones fueron compuestas durante la estancia de los Beatles en la India, a principios de 1968); también por los deterioros que hubo en la banda durante la grabación del disco, Paul McCartney dijo lo siguiente en febrero de 1985 para Musician: “El Álbum Blanco… fue el álbum de la tensión. Estábamos todos metidos en el rollo psicodélico, o apenas saliendo de él. En cualquier caso, era muy extraño. Nunca antes habíamos grabado con camas en el estudio y gente visitándonos durante horas y horas, con reuniones de negocios y esas cosas. Había mucha fricción. Fue una experiencia muy extraña porque estábamos a punto de romper; y eso ya era agobiante en sí”.
11.EL REFUGIO INTERIOR
Otro tema instrumental, con un fondo de risas (tal vez en consonancia con las drogas), mientras se oyen distintos ruidos al unísono de unos redobles de Pedro Andreu, que sirven como tema introductorio a la siguiente canción…
12.SANGRE HIRVIENDO
De nuevo y de lleno al rugido más salvaje del R´N´R. Con una letra cruda: “…muérete a solas, nadie te enseña, cierra las puertas y espera, ha llegado tu hora y dudo que alguien merezca un segundo así.” Y sigue Enrique: “burbujas de sangre hirviendo caen dentro de ti, la sordera que fue mi alimento, burbujas de sangre hirviendo caen dentro de ti”. Toda la banda es constante de un Rock con influencias anglosajonas, fantástico.
13.TUMBAS DE SAL
Este es el tema más psicodélico del álbum. Con un rock árido, Enrique canta haciendo alusión a las drogas y demás sustancias: “las bebidas psicoactivas no bombean suficiente”. Un tema muy directo: “abandona el palacio al azar y a la suerte abandónalo, si las garras felinas se empeñan en no dejarte dormir…”.
14.BENDECIDA 2
Es la segunda parte de una trilogía de canciones alrededor de una historia de amor de Enrique Bunbury: “Bendecida”; “Bendecida 2” y “La Chispa Adecuada (Bendecida 3)”. Enrique la compuso cuando mantuvo una relación sentimental con la actriz italiana, Bendetta Mazzini. En esta composición, Enrique usa todos sus registros de voz. Sirve de introducción para la primera parte…
15.BENDECIDA
Esta composición muy conocida por los fans de Héroes (ya que no se llegó a sacar como sencillo), tiene su historia pasional: “nos hicimos la promesa de los lagos de pokara, y el perfume que emane del sexo se fundirá en nuevo grito”. Mientras las guitarras van arropando la preciosa orquestación, Enrique sigue elogiando a la mujer: “bendecida fue la causa de mi fortuna, y de la tierra perdida en la infancia, al mundo perecedero…”
16.LA ALACENA
Esta es otra de las composiciones más bellas del álbum y Héroes del Silencio nuevamente consiguen su eclecticismo más versátil e innovador.
Acompañado de un fabuloso piano de Copy Corellano y una orquestación muy elegante, Enrique canta de una poética exquisita: “nube que tuve toda tragar hoy párpados hinchados te ciegan, brumaría las horas cansado y hambriento, vierte el cuello entre el hielo, deja que se humedezcan los labios, inunda la boca de margo licor, arde garganta…”.
Como curiosidad, el dibujo que acompaña esta canción, observamos unos dados con una imagen en cada cara, son los símbolos de cada componente del grupo: el corazón con una espiral representa a Enrique Bunbury, la estrella representa a Pedro Andreu, la calavera representa a Juan Valdivia y el símbolo de dos círculos metidos dentro de otro círculo mayor representa a Joaquín Cardiel.
La gira de la presentación del álbum llamada “El Camino del Exceso” fue extensa y muy dilatada (continuando en 1994, debido a los excesos, la gira posteriormente fue bautizada como “La gira del Exceso”, llegando a ser tensa y dando comienzo a conflictos internos en el grupo), y debido a la complejidad, profundidad y gran elaboración de las composiciones, Juan Valdivia necesitó un nuevo guitarrista de apoyo. El elegido y quinto Héroe fue el Mexicano Alan Boguslavsky, con un largo bagaje musical, un oído y forma de tocar exquisita, fue una elección muy apropiada y dio a Héroes del Silencio una presencia más notable en las giras.
David Gilmour reactiva su veta creativa y prepara nueva música.
En las últimas semanas, Polly Samson -novelista, periodista y letrista, además de ser la esposa del músico- ha compartido en redes sociales varias imágenes con el guitarrista y cantante, en su estudio ubicado en Brighton.
No está sólo, pues en las fotografías está acompañado por el pianista Roger Eno (hermano del afamado Brian), los bajistas Guy Pratt y Tom Herbert, los bateristas Steve Gadd (Steely Dan, Paul Simon, Eric Clapton, Chick Corea) y Adam Betts (Crosses, Squarepusher). La formación la cierra el productor Charlie Andrew (alt-J).
Si bien no se conocen mayores detalles, Samson reconoció al sitio rumano Zile si Nopti que junto a Gilmour preparan nueva música en conjunto.
El más reciente trabajo de David Gilmour fue "Rattle That Lock" del 2015, con el que recorrió varios lugares del mundo, incluyendo su primera gira por Sudamérica en ese mismo año. En el 2022 revivió momentáneamente a Pink Floyd junto a Nick Mason para el single benéfico 'Hey Hey Rise Up'.
Encontre esto..
https://github.com/captbaritone/webamp.git
Sharon Osbourne piensa en el retorno de Ozzfest.
El Ozzfest podría regresar.
El recordado evento en vivo, iniciado por Sharon y Ozzy Osbourne, no se realiza desde el 2018. Recientemente, ambos hablaron sobre la posibilidad de volver a hacerlo, como una gira itinerante.
La pareja participó del podcast The Osbournes y discutió sobre algunos festivales de música. Ahí, el cantante le preguntó a su esposa si consideraría volver a organizar el festival. "Sí, por supuesto", fue la respuesta de Sharon, que también explicó que deben tomar en cuenta las exigencias económicas de los eventuales invitados. "¿Por qué, cuando se trata de nosotros, todo el mundo piensa que somos trillonarios, y por eso cada manager que quiere a su banda en nuestro festival quiere uno de los putos trillones que creen que tenemos?", se preguntó la también representante.
Desde su nacimiento, en la segunda mitad de los 90, el Ozzfest ha tenido lugar principalmente en Estados Unidos, aunque también con fechas en Europa y Japón. Durante su historia se han presentado artistas de la talla de Slipknot, Rob Zombie, Korn, Iron Maiden, Metallica y System of a Down, entre otros.
Mientras, Ozzy continúa cuidando de su salud, esperando volver a los escenarios para algunos pocos conciertos.
RATM no volverá a tocar en vivo
Al parecer, la suspendida reunión de Rage Against the Machine no se retomará.
En agosto del 2022 fue el último concierto del conjunto, parte de la gira "Public Service Announcement" que recorrería buena parte del mundo. Sin embargo, una grave lesión de Zack de la Rocha impidió completar el resto del periplo, dejando a los fans esperando por nuevas fechas. Hace pocas horas, un comunicado de Brad Wilk echa por tierra dichas esperanzas.
"Sé que muchas personas están esperando que anunciemos nuevas fechas para la cancelada gira de RATM", escribió el baterista en Instagram, informando que eso lamentablemente no ocurrirá. "No quiero seguir engañando a la gente o a mí mismo. Aunque hemos conversado de que eso pueda suceder en el futuro... quiero hacerles saber que RATM (Tim, Zack, Tom y yo) no estaremos de gira o tocando en vivo nuevamente", agregó el músico, terminando los rumores sobre el regreso del cuarteto.
Desde aquel concierto en el Madison Square Garden, las actividades del grupo han sido nulas, aunque sus miembros han estado ocupados: Zack de la Rocha volvió a pisar un escenario en octubre pasado, acompañando a Run the Jewels; Tom Morello se ha presentado en vivo en formato solista. En noviembre el grupo fue incluido en el Rock & Roll Hall of Fame, ceremonia de la que sólo participó el guitarrista.
Creedence Clearwater Revival: Escucha "Bayou Country" en su aniversario 55.
1969 fue un año altamente productivo para Creedence Clearwater Revival.
Aquella temporada, el conjunto estadounidense publicó nada menos que tres discos: "Bayou Country", "Green River" y "Willy and the Poor Boys". El primero de ellos apareció un 5 de enero y fue el segundo trabajo en la historia de la banda.
En poco más de treinta minutos, el cuarteto entregó una lista de canciones en que destacaba Born on the Bayou , el cover de Good Golly, Miss Molly y Proud Mary , en palabras de John Fogerty su "primera buena canción. Tenía 23 años, creo, y llevaba tocando música 10 años. Pero reconocí su importancia inmediatamente"
1-BAD BUNNY - MONACO - Nadie sabe lo que va a pasar mañana'
2-Dei V x Bryant Myers - N@RCOTICS
3-Jay Wheeler, Dei V, Hades66 - Pacto ft. Luar La L'
4-BLESSD-RYAN CASTRO-BRYANT MYERS❌HADES 66-PALABRAS SOBRAN
5-Paul Damixie - Drip
6-Nicki Nicole, Young Miko - 8 AM
7-Arcangel - JS4E SR. SANTOS'
8-Young Miko - Lisa'
9-Eladio Carrión BZRP Music Sessions #40
10-DUKI - GIVENCHY
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