Bruce Springsteen -ADELANTO- Hello Sunshine (2019)

Bruce Springsteen regresa con nuevo trabajo solista titulado Western Stars, que se editará el 14 de junio.

Es el primer disco del Boss sin la E Street Band desde 2005, ese año hizo aquel Devils & Dust, y para el músico ha sido, según sus propias palabras, un retorno a esos discos solistas que él tanto aprecia e incluso ha dicho que "es una pequeña joya de disco".

Sin duda es un Bruce más sosegado, reposado y acústico y así lo demuestra el primer adelanto, Hello Sunshine, una pieza de tono calmado, con adornos de piano y pedal steel guitar, además de algún arreglo orquestal, pero donde sobre todo su voz es la protagonista.

A 30 años del debut de Stone Roses, el disco que abrió la era Madchester

Todavía faltaban algunos meses para el final de una de las décadas más ciclotímicas del rock británico y las etiquetas post-punk, synth-pop y dark-rock ya mostraban signos de agotamiento en medio de una tierra arrasada por las políticas liberales del thatcherismo. Una vez más el norte tuvo la respuesta, con Manchester como centro del mundo de la canción para bailar y flotar, para enamorarse de las melodías y fantasear con una nueva psicodelia de pantalones holgados y flequillos adolescentes; una revuelta que iba más allá de la angustia existencial de Joy Division y The Smiths, o el electro oscuro de New Order. El 2 de mayo de 1989, The Stone Roses lanzó su disco homónimo e inauguró un nuevo período de sesiones extraordinarias a favor del hedonismo, la fantasía y los sueños colectivos.

El optimismo despreocupado que iniciaron los Happy Mondays con Blummed (88) fue la primera piedra para la construcción de Manchester, la pequeña Babilonia que celebraba esa cruza entre dance y rock, orgullo pueblerino y descontrol de infierno grande. Para ser justos, Sonic Flower Groove (87) de Primal Scream aportó los ingredientes psicodélicos y los ritmos adhesivos que permitieron el ingreso a las pistas de baile sin pedir permiso ni lavar culpas; ecos que formaron el gran ruido que ubicó a The Stone Roses como uno de los mejores discos debut de la historia del rock. El secreto sumaba talentos, muchos discos escuchados y una ambición macerada en casi cinco años de ensayos y errores. Al frente, el carisma de Ian Brown dispuesto a comerse al mundo: "yo quiero ser adorado", canta en el arranque del álbum y resuelve el sueño pop en una sola frase, puro encantamiento para envolver un tema que suena a unos The Byrds más lisérgicos en los arpegios de John Squire, mientras la base mira al futuro gracias al bajo melódico de Gary Mani Mounfield y la exactitud de Alan Reni Wren. La combinación de las piezas y la puntualidad para estar en el momento del estallido de la cultura house convirtieron a The Stone Roses en la banda con los mejores himnos de liberación para raves clandestinas.

El swing veloz de "She Bangs the Drum", otra canción ególatra para cambiar el estado de las cosas ("el pasado es tuyo, el futuro es mío, todos están fuera de tiempo"), la armoniosa estructura de "Waterfall", que recuerda al "She's a Rainbow" de los Rolling aunque el final resuelve su propio lugar en la historia con un arrebato de funk psicodélico, o la perfección country-pop con sus alusiones al Mayo Francés de "Bye Bye Bad Man" invitaban a quedarse a vivir en el lado A del vinilo. En Argentina no tuvo edición local en tiempo, solo se conseguía la versión importada, hasta que en 1990 llegó en formato LP y casete. Buena parte de la generación sónica vivió al disco como un emblema generacional, un espejo en donde mirarse y proyectar nuevas formas estéticas: Babasónicos, Martes Menta, Juana La Loca y los padrinos de la escena, Gustavo Cerati y Daniel Melero, acusaron recibo y tomaron unas cuantas notas del efecto Madchester.

La producción de John Leckie, un maestro del detalle reconocido por producir los primeros trabajos de XTC, The Fall, Magazine o Simple Minds, es otro elemento que ayudó a los Stone Roses a perfeccionar su sonido fumado, equilibrar los planos y lograr que un cantante limitado suene como un delicado corazón melódico. Muestras que brillan en la cara B gracias a la intensidad pop de "Made of Stone" o la orquestación rockera de "This Is the One", dos momentos épicos que sentaron las bases del brit-pop por venir.

La idea de tapa es obra de John Squire y empezó a dibujarse mucho antes de la salida del disco debut. En un viaje a dedo por Francia, Ian Brown conoció la historia de cómo los estudiantes enfrentaban los ataques de la policía durante las revueltas parisinas de 1968: mordían limones para aliviar el efecto de los gases lacrimógenos. De ahí provienen las tres rodajas que parecen posarse sobre el lienzo de una pintura inspirada en la obra de Jackson Pollock. A pesar de que Squire siempre reconoció la importancia de Pollock en la tapa del disco, terminó utilizando una pintura de Albert Von Allen titulada "Fiebre primaveral" que, a su vez, es un homenaje al pintor norteamericano. La combinación de arte abstracto y acción política explica mejor al disco debut que los modos arrogantes que desplegaba el grupo. En la letra de "Bye Bye Badman", Brown revisa la experiencia francesa y sus lecturas de Guy Debord: "la sumisión acaba con todo", dice la letra. La gran diferencia de los Stones Roses con la generación que los precedió fue la convicción de promover un ideal comunitario muy distinto al individualismo brit-pop. De alguna manera, el narcisismo del cuarteto era un escudo y también un reflejo que invitaba a sumarse a un colectivo de liberación.

Noel Gallagher adelanta el nuevo EP de los High Flying Birds con "Black Star Dancing"

Noel Gallagher acaba de lanzar "Black Star Dancing", un nuevo single de los High Flying Birds, que anticipa la salida de su próximo EP, también titulado Black Star Dancing. El disco saldrá el 14 de junio en formato digital y en vinilo de doce pulgadas.

"Black Star Dancing" es la primera canción nueva de Gallagher desde Who Built The Moon?, su disco de 2017. El músico dijo que el tema combina las influencias de David Bowie, INXS, U2, Queen, Indeep y ZZ Top.

  "Es posible que haya estado viendo demasiado Top Of The Pops recientemente",
 dijo Gallagher.

"De todos modos, es buenísimo. No lo digo yo: lo dijo Nile Rodgers, que literalmente se puso a bailar en el estudio cuando lo escuchó."

Gallagher le dijo a NME que "todo lo que escribo últimamente suena a The Police, The Cure o a una banda con los integrantes de The Police y The Cure".

La inteligencia artificial interpreta death metal durante 24 horas

Sorprendente creación se puede disfrutar en YouTube.

En YouTube ha llamado la atención lo realizado por Dadabots, que ha interpretado música durante 24 horas, por varios días. 
Grande fue la sorpresa al enterarnos de que no se trata de una banda, sino que un software de inteligencia artificial que últimamente ha tocado death metal.

CJ Carr y Zack Zukowski son los encargados de esta iniciativa, músicos y expertos en tecnología. Juntos han hecho posible que Dadabots haya lanzado diez discos, inspirados en la música de Meshuggah, Battles y Aepoch, nacidos bajo el uso de un software de deep learning.

 "Aunque nuestro objetivo era crear una recreación realista de los datos originales, estamos encantados con el mérito artístico de sus imperfecciones", 
apuntaron.

Nostalgia: 30 años.

IMPORTANTE:  Solo para fanaticos...(apto para todo publico)

Tremendo material acaba de publicar @larenga. Una pieza histórica para los rengos: "Tanguito pa' mi país".

Led Zeppelin comparte su historia

Led Zeppelin sigue lanzando iniciativas para celebrar su medio siglo.

Reediciones y libros son algunas de las actividades realizadas para tributar a uno de los mejores conjuntos de toda la historia. Lo que faltaba es una serie, que ya está aquí.

A continuación podrás ver el primer episodio de "History of Led Zeppelin". Aquí se relata como Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham llegaron a los Olympic Studios de Londres en septiembre de 1968 para grabar su álbum debut, tras formarse luego del fin de The New Yardbirds.

Para recordar y atesorar.

Fuente: Rockaxis.com

Rammstein muestra la portada de su nuevo disco

De a poco, Rammstein comienza a develar información de su próximo álbum.

 Este trabajo de regreso terminará una espera de diez años.

El 17 de mayo es la fecha confirmada de lanzamiento, con una canción ya conocida: 'Deutschland'. De carácter homónimo, hoy se dio a conocer la portada y tracklist del disco, junto con un extracto de tres nuevas canciones, una constante durante esta semana. A pesar de su carácter simple, la carátula se aprecia una relación con un concepto muy ligado al conjunto alemán, como el fuego, un elemento muy presente en sus canciones y shows en vivo.

01. 'Deutschland' (05:26)
02. 'Radio' (04:37)
03. 'Zeig Dich' (04:16)
04. 'Ausländer' (03:52)
05. 'Sex' (03:56)
06. 'Puppe' (04:33)
07. 'Was Ich Liebe' (04:30)
08. 'Diamant' (02:33)
09. 'Weit Weg' (04:19)
10. 'Tattoo' (04:10)
11. 'Hallomann' (04:09)

250 músicos interpretan este clásico de Metallica

Metallica tiene una gran base de seguidores en Moscú..

Rocknmob de Rusia reunió a más de 250 músicos, quienes se organizaron para interpretar juntos 'Sad But True', uno de los clásicos del recordado y exitoso "Black Album".

Memorabilia: La audición de Bruce Dickinson para llegar a Iron Maiden.

Hace 38 años se unieron ambas historias.

Para varios, la época de Bruce Dickinson con Iron Maiden es la más recordada. Sin embargo, no se trata de su único frontman.

En la historia del grupo han destacado también Paul Di'Anno y Blaze Bayley.

Dickinson llegó en 1981, proveniente de Samson.
Hoy recordamos la audición que realizó para ingresar a las filas del grupo, un hecho que le resulto algo incomod, porque segun el..."El viejo cantante todavía estaba ahí, todavía tenían un par de shows con él".

En aquella cita, Bruce interpretó algunas canciones de Deep Purple, junto con otras canciones de Maiden, que es lo que escucharás a continuación: 'Killers', 'Twilight Zone' y 'Wratchild'.

Una buena forma de esperar la visita del grupo, cuya gira sudamericana incluirá pasos por Rock in Rio Brasil, Argentina y Chile.

1. 00:00 - Killers 2. 05:00 - Twilight Zone 3. 07:32 - Wrathchild

Fuente: Rockaxis.com

John Cage, el compositor que creó una obra de silencio hace 70 años y sigue generando ruido

Es 29 de agosto de 1952 en la Maverick Concert Hall de Woodstock y está por producirse un sismo en la música. Un pianista, David Turdor, cruza el escenario y se sienta al piano. Abre y cierra la tapa en tres oportunidades. Tiene una partitura. No toca ni una nota. Se pone de pie y saluda a un público escandalizado. Acaba de pasar 4’33’’, de John Cage.

Cage había visitado antes una cámara anecoica (capaz de anular las ondas sonoras) donde le sorprendió escuchar dos sonidos, uno agudo y el otro grave, cuando imaginaba no escuchar nada. Le explicaron que esos sonidos eran su sistema nervioso y la circulación de su sangre.

Cage comprendió y materializó su idea: el silencio estaba lleno de sonidos. Así, la música de aquella presentación era el viento que soplaba afuera, la lluvia que golpeaba el tejado, el ruido de los que se paraban indignados para irse. “Es probable —dijo— que haya trabajado más tiempo en mi obra silenciosa que en ninguna otra” (de John Cage, de David Nicholls, Turner Publicaciones, 2009)

“Todavía no lo olvidan”, llegó a decir el compositor estadounidense. Agregó: “30 años después siguen furiosos”.

Los popes de la música no le perdonaron la desacralización. El espectador, desde este concepto, era parte de la obra. El silencio es un ruido ensordecedor.